Голландский Рембрандт, степь и космос: 5 знаковых картин из коллекции музея Кастеева
Говоря о шедеврах искусства, мы обычно вспоминаем Лувр, галереи Прадо и Уффици, Метрополитен-музей в Нью-Йорке или Рейксмюзеум в Амстредаме. Наконец Третьяковскую галерею или Эрмитаж. Между тем шедевры мировой культуры гораздо ближе, чем мы думаем.
Богатая коллекция Государственного музея искусств им. Кастеева дает яркое представление о художественной культуре Казахстана, стран Европы и Азии, мастеров прошлых эпох и настоящего времени. Она представляет интерес для коллекционеров и ценителей искусства, и дает представление о ключевых направлениях в живописи. Если же говорить о живописном искусстве, то в экспозиции Государственного музея искусств тоже немало интересных работ. Подробнее о некоторых из них — в обзоре 5Q, подготовленном при участии сотрудников музея.
Крестьяне глазами голландского Рембрандта
Первая работа, рядом с которой мы «остановимся» — это «Деревенский рынок» голландского художника Адриана ван Остаде. В XVII веке историки искусства ставили имя Остаде в один ряд с Рембрандтом. Столетием позже его знаменитый соотечественник Ван Гог, путешествуя по Голландии, отмечал, что встретил среди сельских жителей «массу остадовских типажей». Большим почитателем его искусства был Петр I, положивший начало собранию произведений художника в России.
Главной темой творчества Остаде были жанровые сцены из повседневной жизни голландских крестьян, и «Деревенский рынок» – один из маленьких шедевров бытового жанра. На картине изображена людная деревенская улочка, на которой ведется торговля с прилавков, окруженных плетеными корзинами.
Раньше на рынки ходили не только за покупками, но и ради общения, поэтому на картине много персонажей, увлеченных каким-то делом или разговорами. Работа отличается тщательностью исполнения. В этом небольшом по формату произведении художник продумывает композицию, используя часто применяемый прием диагонального построения, который подчеркивает глубину пространства. Колорит картины ограничен диапазоном нейтральных голубовато-серых и коричневых натуральных оттенков, оживляемых нотой яркого цвета в одежде персонажей. Голубое небо и теплый свет выражают гармонию, успех и процветание маленькой деревушки. С сердечностью и проникновенностью написан художником живой образ крестьянского общества Голландии.
Космос и национальные традиции
В постоянной экспозиции музея картина Бексеита Тюлькиева «Сон художника» неизменно привлекает внимание зрителей и сюжетом и композиционным решением. В пространстве одного полотна совмещены разновременные явления. Используя художественную цитату из работы Андреа Мантеньи «Мертвый Христос», Бексеит постулирует простые человеческие качества – сострадание, любовь и доброту.
Как и у Мантеньи, образ Богоматери у Тюлькиева, оплакивающей смерть Иисуса Христа и похожей на любую скорбящую мать, потерявшую сына – обыден и возвышен одновременно. Для художника важен также образ казахской снохи (женгей), которой по традиции не разрешалось открывать лицо перед свекром. Бексеит создал собирательный образ, изобразив женщину, закрывающую лицо платком, со свечой в руках. Своей добротой, скромностью и высокими моральными качествами она словно освещает ему путь.
В центре, в качестве жизнеутверждающего начала, изображен ребенок в скафандре – ведь человек не только житель земли, но и вселенной. По словам руководителя отдела изобразительного искусства ГМИ имени А. Кастеева Кульжазиры Мукажановой, «Сон художника» – это состояние самого живописца, размышляющего о том, что объединяет людей, сменяющих друг друга в непрерывной эстафете поколений. Он разрабатывает тему личности, вброшенной в непростое пространство жизни. Духовная преемственность, наследование ценностных представлений, связь времен оказываются исключительно важными и необходимыми в жизни любого социума.
Портрет трехвековой давности
XVIII век вошел в историю русского искусства как «золотой век» портрета. В то время работали блистательные мастера этого жанра — Иван Аргунов, Федор Рокотов, Дмитрий Левицкий. Среди этой плеяды знаменитых художников, поднявших русское искусство на уровень лучших достижений европейской культуры, достойное место занимает и творчество Владимира Лукича Боровиковского (1757-1825).
Академику Императорской Санкт-Петербургской академии художеств позировали коронованные особы, высокопоставленные чины и прекрасные дамы из высшего общества. Он был мастером так называемого интимного портрета, в котором больше внимания уделялось самому персонажу, а не атрибутике. В целом его творчество развивалось в стилистике такого направления в искусстве как сентиментализм (от фр. sentiment — чувство), для которого характерна повышенная чувствительность и идеализация образов.
В таком ключе и был написан «Портрет Петра Николаевича Дубовицкого». Он был одним из самых богатых помещиков Рязанской губернии. Принадлежавшие ему селения, отличались порядком и благоустройством. Портрет был создан в 1804 году. Дубовицкому — 51 год. Перед зрителем он предстает рачительным и просвещенным помещиком. Во взгляде сквозит легкая высокомерность, свидетельствующая об уверенности человека в своих возможностях. На бледном лице играет чуть заметный румянец, сочетающийся с нежно розовым цветом губ и серо-голубыми глазами. Дополняют образ высокий открытый лоб и седеющие светлые слегка волнистые волосы. В портрете Дубовицкого идиллический ландшафт играет особую роль, создавая в пространстве полотна настроение мечтательности и нежной грусти. Эти ощущения поддерживаются и особым цветовым решением портрета, основанного на изысканности жемчужно-серого тона и приглушенного зеленого.
Картина неизвестного художника
Среди произведений немецкой коллекции музея картина неизвестного художника «Младенец» обращает на себя внимание своей оригинальной композицией и чрезвычайно неординарной надписью. Она была передана в музейные фонды в 1936 году Государственным музеем изобразительных искусств им. А. С. Пушкина с атрибуцией – неизвестный художник конца 16 века школы Лукаса Кранаха.
Работа имеет авторскую подпись на лицевой стороне справа в верхней части, выполненную на немецком языке декоративным готическим шрифтом с использованием растительных завитков: «In solshe leng und stalt war ich 36 wuchen alt. Anno 1595» — «Такой рост и фигуру я имел, будучи 36 недель от роду. Год 1595». Ниже идет монограмма – две перевитые буквы «.LS.» с характерными точками по краям курсивных букв.
За 80 лет существования музея сотрудники не раз пытались провести атрибуцию произведения «Младенец». Как выяснилось, работа принадлежит кисти известного нюрнбергского художника Лоренцо Штрауха, современника Альбрехта Дюрера. Немецкий живописец и график Лоренцо Штраух, возможно, учился у своего отца Ганса Штрауха, который служил в Нюрнберге в качестве эталонщика. После 1580 года Лоренцо был признанным мастером портрета, а в 1624 году его назначили в городской Совет, где он пользовался большим почетом и уважением.
В основном Штраух писал портреты для местной знати, оружейного и торгового сообществ. В ранний период его творчества в портретах ощущается некоторое отсутствие жизненности и теплоты, хотя он превосходно умел передавать сходство, а также точно воспроизводил ювелирные украшения и одежду своих натурщиков. В сферу портретной живописи Штраух привнес много нового. В скрупулезно выполненном рисунке ясно просматривался интерес художника к разработке одежды и атрибутов, которые были в моде и соответствовали традициям его времени. Кроме того, он уделял значительное внимание отображению характера портретируемых.
Поезд, степь и советская романтика
В коллекции музея представлено одно из наиболее известных произведений Народного художника Казахстана Абылхана Кастеева, работы которого, к слову, остаются предметом интереса многих зарубежных коллекционеров.
«Турксиб», написанный им в 1969 году — это масштабное по размеру и замыслу полотно. Его можно назвать своеобразным итогом тридцатилетней работы мастера над темой строительства Туркеста́но-Сиби́рской магистра́ли — железной дороги из Сибири в Среднюю Азию. Как рассказал кандидат искусствоведения и ведущий научный сотрудник ГМИ им. А. Кастеева Амир Джадайбаев, для художника этот грандиозный объект первой сталинской пятилетки конца 1930-х годов стал шагом в «большую жизнь».
По сути, в этом автобиографическом по своему характеру произведении Кастеев повествует об одном из наиболее ярких событий в истории Казахстана первой половины ХХ века. Оно знаменует начало новой социалистической эпохи, символом которой в картине выступает первый в казахской степи поезд. Романтическое восприятие этого события Кастеевым звучит рефреном в стихах его современника известного казахского поэта И. Джансугурова:
Рассвет белеет ковылем седым.
Заря цветет, девичьих губ алей,
Над перевалом …
И навстречу ей
Грохочет поезд, и клубится дым…
Картины нет прекрасней для меня!
Картину «Турксиб» отличает высокое мастерство технического исполнения. Художнику удалось передать убегающие вдаль затянутые пеленой утреннего воздуха холмы, вдоль которых движется громыхающий железными колесами и источающий из трубы «хвост» белого дыма черный локомотив. Искрящаяся в лучах солнца зелень травы, разноцветные нарядные одежды людей, вышедших встречать этот символ новой эпохи придают всей сцене радостное мажорное звучание.
Не только живопись
Кроме картин в «Кастеевке» выставлена уникальная коллекция ковров, которая позволяет изучить культуру и быт казахского народа, а также кочевников в целом. В ней есть живописные войлочные напольные ковры текеметы и сырмаки, ворсовые ковры – түктi кiлем, изготавленные из овечьей шерсти на юге и юго-западе Казахстана – в Кзыл-Ординской, Чимкентской областях. Есть настенный вышитый ковер тұскииз. Кстати раньше перед свадьбой каждая казахская девушка должна была собственноручно вышить тускииз. Ведь не зря он символизирует семейное счастье и занимает почетное место в юрте.